Category: театр

Category was added automatically. Read all entries about "театр".

Умер Резо Габриадзе

.
6 июня в Тбилиси в возрасте 84 лет, за три недели до своего 85-летия, скончался выдающийся советский и грузинский театральный режиссёр, художник и сценарист Резо Габриадзе.


29 июня 1936 года — 6 июня 2021 года
Резо Габриадзе является автором сценариев более чем 35 грузинских и советских фильмов, в том числе «Мимино», «Не горюй!», «Квеври», «Чудаки», «Серенада», «Кин-дза-дза!». Он также создал иллюстрации более чем к 50 книгам.

В 1981 году он основал Тбилисский театр марионеток, здание которого по сей день считается одной из достопримечательностей столицы благодаря своей необычной архитектуре. В настоящее время в репертуаре театра пять спектаклей: «Осень моей весны», «Сталинград» (первое название «Песнь о Волге»), «Рамона», «Бриллиант Маршала де Фантье» и «Резо». За годы существования театра спектакли Габриадзе побывали во многих странах мира и принимали участие в крупнейших международных театральных фестивалях – в Авиньоне, Эдинбурге, Москве, Нью-Йорке, Торонто, Белграде, Чарльстоне, Дрездене и других городах.

В 1990-е годы Резо работал в Швейцарии и Франции, где поставил два драматических спектакля: «Какая грусть – конец аллеи» в Théâtre Vidy-Lausanne и «Кутаиси» в Париже.

Резо Габриадзе является обладателем Государственной премии СССР (1989), премии Руставели (Грузия), премий «Ника» и «Триумф» (Россия), а также является кавалером ордена Искусств и Литературы Французской Республики.

В 2017 году Резо Габриадзе был удостоен российской театральной премии «Золотая Маска» «За выдающийся вклад в развитие театрального искусства».

В 2005 и 2019 году в издательстве «Петербургский театральный журнал» вышли книги о режиссёре и его театре.


В 2018 году состоялась премьера полнометражного анимационного фильма «Знаешь, мама, где я был?» режиссера Лео Габриадзе – сына Резо.
Удивительная история детства художника, писателя и режиссера Резо Габриадзе, в которой реальные факты перемешиваются с фантазиями и снами десятилетнего мальчишки. Анимационный фильм, созданный по рассказам и рисункам самого Резо, – тёплое и трогательное признание в любви художнику от самых близких ему людей.

Леван Габриадзе начал записывать истории отца для фильма с 1994 года. Всего в фильме было использовано более 500 рисунков Резо Габриадзе. Все они были оцифрованы и анимированы.

Резо Габриадзе возвращает нам детство, время, когда ничего не страшно, когда все плохое вот-вот закончится, а хорошее останется навсегда. Мы снова там – среди больших книг и высоких деревьев, крутим ногами неподатливый мир – получаем оплеухи от Менделеева, летаем на истребителе и пишем признания в любви самой красивой женщине Кутаиси.

В названии фильма использована первая строчка детской грузинской народной потешки в переводе Валентина Берестова. Резо Габриадзе превратил потешку в песню, которую сам исполнил вместе с грузинским народным хором «Швидкаца». Она звучит в финальных титрах фильма.

В фильме также звучит музыка Гии Канчели, Виктора Долидзе и Олега Карпачева.

В 2019 году фильм получил премию «Ника» Российской Академии кинематографических искусств как «Лучший анимационный фильм».

«Знаешь, мама, где я был?»




Искренние и глубокие соболезнования родным и близким покойного.
Покойся с миром, дорогой Резо!



Упокой, Господи, душу новопреставленного раба Твоего
Реваза,
и прости ему вся согрешения вольная и невольная,
и даруй ему Царствие Небесное.






Buy for 10 tokens
Buy promo for minimal price.

ROBERT WILSON ✭ SHAKESPEARE'S SONNETS

Роберт Уилсон, самый известный американский театральный режиссер, в 2009 году на сцене славного театра “Берлинер Ансамбль”, основанного Бертольтом Брехтом, поставил спектакль «Сонеты Шекспира», к 400-летию их первой публикации.

Уилсон, пожалуй, уже классик, он автор своего метода, своего театра, и безусловно — он на Олимпе современной режиссуры.


Начав с изучения живописи и архитектуры, Уилсон, даже будучи театральным режиссером, продолжает заниматься искусством вообще: он устраивает перформансы, постоянно проводит выставки. Значителен его вклад и в дизайн: он неистовый фанат стульев, в его коллекции их больше тысячи, к тому же, он сам разрабатывает и даже участвует в сборке мебельного реквизита к некоторым постановкам. Помимо режиссуры он является и художником-сценографом своих спектаклей. Выступал Уилсон и в качестве хореографа. Доступен коротенький отрывок из балета Snow on the Mesa, сценографию и хореографию к которому он сделал; еще один его балет — Le Martyre de Saint-Sébastien, поставленный в 1988 году.

Было бы резонным все-таки ответить на вопрос: за что же весь мир любит Роберта Уилсона? Пожалуй, за то, что он дает шанс соседствовать великому с наивным и нелепым. За то, наверное, что он расширил театральный язык жеста; за то, что так легко играет со временем и пространством. Уилсон создал свою театральную реальность, отказавшись от ее копирования, от бессмысленного удваивания реальности. Сам он говорит: «Если бы я изучал театр в театральном университете, я бы никогда не смог делать то, что делаю».

Музыку к двадцати пяти сонетам Шекспира написал известный певец и композитор Руфус Уэйнрайт — получилось попурри из разнородных мелодий, от роковых композиций до задумчивых баллад. Роберт Уилсон наложил музыку на свои волшебные картинки — и в "Берлинер Ансамбле" вышел удивительный спектакль-концерт.

В «Сонетах Шекспира» Уилсона мужчины играют женские роли, женщины — мужские. Поэтическая грусть невоплощенных отношений от этого ничуть не страдает.

Инге Келлер, 85-летняя знаменитость немецкого театра, играет самого Уильяма Шекспира. У этого седого как лунь автора сонетов выбеленное лицо, маленькие усики, еле заметная бородка и немигающие, как кажется, холодные глаза. Эта маска глядит на нас из черноты, и кажется нам бестелесной, но только до тех пор, пока не зазвучит ее голос, ясный и властный, исполненный строгой мысли и спокойного знания о бренности земной жизни.

Королеву Елизавету играет Юрген Хольц: высокие брови над по-собачьи полуприкрытыми глазками, капризные губки бантиком, румянец на белых щечках, платочек в руке. Один раз, впрочем, он, шутки ради, превращается из первой Елизаветы во вторую — меняет бордовое платье и высокую рыжую прическу на шляпку и сумочку ныне здравствующей английской королевы.

Пожалуй, стилистически самая "чистая" сцена спектакля Роберта Уилсона — та, в которой Шекспир и Елизавета сидят по обе стороны от яблони с густой зеленой листвой. Сначала из-за ствола появляется рука с красным яблоком на ладони, а потом из-за дерева появляется Ева, и в другой руке она держит змею. Поэт и королева остаются неподвижными, лишь игриво отбивают башмачками ритм песенки, которую поет женщина с яблоком и змеей.
Это один из самых знаменитых — шестьдесят шестой сонет. В переводе Маршака он начинается словами "Зову я смерть...". Этот сонет будет повторен в самом конце спектакля всей труппой. И тогда станет ясно, что «Сонеты...» Роберт Уилсон поставил об изгнании из рая...


Сонет 66

                                                                      Зову я смерть. Мне видеть невтерпёж
                                                                      Достоинство, что просит подаянья,
                                                                      Над простотой глумящуюся ложь,
                                                                      Ничтожество в роскошном одеянье,
                                                                      И совершенству ложный приговор,
                                                                      И девственность, поруганную грубо,  
                                                                      И неуместной почести позор,
                                                                      И мощь в плену у немощи беззубой,
                                                                      И прямоту, что глупостью слывет,
                                                                      И глупость в маске мудреца, пророка,
                                                                      И вдохновения зажатый рот,
                                                                      И праведность на службе у порока.

                                                                      Всё мерзостно, что вижу я вокруг…
                                                                      Но как тебя покинуть, милый друг!



ROBERT WILSON ✭ SHAKESPEARE'S SONNETS


https://youtu.be/qODekVgJdOc

Ниже приведены представленные в спектакле 25 Сонетов Уильяма Шекспира в переводе Самуила Маршака:

Collapse )



«Изобретение пространства» ✧ Авторская трилогия Анатолия Смелянского

Авторская трилогия Анатолия Смелянского о театральных художниках «Изобретение пространства», снятая в 2019 году для телеканала «Культура». Давид Боровский, Эдуард Кочергин, Сергей Бархин – великие сценографы и наши современники, они создали свои театральные миры, реформировав представление о сценическом пространстве. Судьба каждого из них в том числе связана и со МХАТом, театром, в котором художники во все времена выступали полноправным сотворцами спектаклей, будь то Виктор Симов или Александр Бенуа, Мстислав Добужинский или Владимир Дмитриев...

Предисловие Анатолия Смелянского к трилогии «Изобретение пространства»





Разговор с Давидом Боровским для фильма из авторской трилогии Анатолия Смелянского «Изобретение пространства» был записан за две недели до ухода Давида Львовича. 6 апреля 2006 года, вся театральная Москва прощалась с великим сценографом и главным художником МХТ. Прощание проходило на Основной сцене Художественного театра, среди декораций «Вишневого сада», последней постановки Давида Боровского в этих стенах.
В его книге «Убегающее пространство» есть размышление о том, как ставить в МХТ «Вишневый сад»: «Павильоны чеховских спектаклей на этой сцене Симова и Дмитриева превзойти трудно. Вернее, невозможно…

Нам досталась пустота.

Но зато какая!

Пол сцены так же вращается, как и сто лет назад.

Занавес цвета сухой травы с двумя чайками в центре, так же раздвигается, как и на первом представлении “Сада”. Это уже богатство! А что, если “это” и есть родовой дом Раневской, куда она возвращается из сиреневого далека, из Парижа… А затем навсегда покидает?..»





Герой этого фильма – Эдуард Кочергин, главный художник петербургского БДТ имени Товстоногова.
Детство Эдуарда Кочергина прошло в скитаниях по России – в два года, после ареста родителей в 1939-м, он попал в детприемник, в восемь сбежал из детприемника в Омске и почти семь лет пробирался в родной Ленинград к матери.

Все, что он тогда видел, Эдуард Степанович много позже описал в своих потрясающих книгах – «Ангелова кукла» и «Крещенные крестами». Это ощущение подлинной России, иногда светлой, а иногда – страшной, по-своему нашло отражение и в его сценографии. Например, в грандиозном спектакле Льва Додина «Господа Головлевы», который вышел во МХАТе в 1984 году. Распад Иудушки Головлева в исполнении Иннокентия Смоктуновского проходил в настоящем «медвежьем углу»: имение Головлево было будто укутано в полы огромной шубы, которая растянулась вдоль всей сцены. События этого сценического романа происходили поздней осенью или зимой.
В память о том спектакле Анатолий Смелянский озаглавил свой фильм «Эдуард Кочергин. Зимняя страна».





Выходец из архитектурной семьи, Сергей Бархин поначалу тоже пошел по стопам своих знаменитых предков: закончил МАРХИ, работал архитектором. Но все больше двигался в сторону театра. Свои первые спектакли оформил в 60-е в «Современнике», в 1982-м стал сценографом мхатовского хита «Татуированная роза», много работал в провинции. А с началом перестройки обрел единомышленников в лице Генриетты Яновской и Камы Гинкаса, став сотворцом их постановок на сцене московского ТЮЗа.

Одной из главных работ художника Смелянский называет спектакль Яновской «Собачье сердце», на который в 1987 году ломилась вся Москва. Поражал придуманный Бархиным образ: сцену в «Собачьем сердце» устилал черный пепел. Он напоминал о «черном снеге» из другого произведения Михаила Булгакова – «Театрального романа», и придавал этой истории о праве человека вмешиваться в то, что сотворил Бог, трагическое измерение.









☨ Ушел из жизни Владимир Коренев

.
Вчера, 2 января, на 81-м году жизни скончался Владимир Коренев, причиной смерти народного артиста России стал коронавирус.


(20 июня 1940 г., Севастополь — 2 января 2021 г., Москва)


Владимир Коренев родился в 1940 году. Учился в ГИТИСе, на курсе Григория Конского и Ольги Андровской. После окончания ГИТИСа по приглашению Михаила Яншина стал артистом Московского драматического театра имени К.С. Станиславского (ныне Электротеатр «Станиславский»), где и проработал до конца жизни.

Играл в спектаклях Михаила Яншина, Бориса Львова-Анохина, Екатерины Еланской, Бориса Морозова, Владимира Мирзоева, Дмитрия Брусникина, Семёна Спивака и других.

После того, как театр возглавил Борис Юхананов, Владимир Коренев выпустил одну из первых премьер обновлённого Электротеатра — трилогию «Синяя птица» — не только как исполнитель одной из ролей. Воспоминания Коренева и его супруги, Алефтины Константиновой, соединились здесь с пьесой Метерлинка, а сами артисты играли Тильтиля и Митиль. В 2019 году Владимир Коренев дебютировал на Малой сцене Электротеатра как режиссёр — спектаклем «Служанки бульвара Сансет» (здесь также соединялись два «исходных» материала — пьеса Жене и фильм Уайлдера).

Последней премьерой Владимира Коренева стал диптих Бориса Юхананова «Пиноккио» — актёр был занят в обеих частях масштабного проекта.

Владимир Коренев много работал как педагог, поставил спектакль «Опасные связи» по роману Шодерло де Лакло в Архангельском театре драмы имени М. Ломоносова. Широкому зрителю известен по ролям в кино, прежде всего — по главной роли в фильме «Человек-амфибия» (1962), которая стала культовой для зрителей нескольких поколений.




ПАМЯТИ ВЛАДИМИРА КОРЕНЕВА
СЛОВО • Телеканал СПАС

(15 декабря 2017 года)




https://youtu.be/Vgy7YbyW98E







Помяни, Господи Боже наш, в вере и надежди живота вечнаго преставльшагося раба Твоего Владимира, и яко Благ и Человеколюбец, отпущаяй грехи и потребляяй неправды, ослаби, остави и прости вся вольная его согрешения и невольная, избави его вечныя муки и огня геенскаго, и даруй ему причастие и наслаждение вечных Твоих благих, уготованных любящым Тя. Господи, милостив ему буди, и веру, яже в Тя вместо дел вмени, и со святыми Твоими яко Щедр упокой: несть бо человека, иже поживет и не согрешит. Но Ты Един еси кроме всякаго греха, и правда Твоя, правда во веки, и Ты еси Един Бог милостей и щедрот, и человеколюбия, и Тебе славу возсылаем Отцу и Сыну и Святому Духу, ныне и присно, и во веки веков. Аминь.











☨ Умер Валентин Гафт

.
12 декабря на 86 году жизни скончался народный артист России Валентин Гафт.

(2 сентября 1935 года — 12 декабря 2020 года)


В память о Валентине Гафте Первый канал повторил передачу «На ночь глядя», где Валентин Иосифович был вместе со своей супругой Ольгой Остроумовой. Они рассказывали о своей жизни и о спектаклях, вспоминали друзей и коллег, читали эпиграммы и признавались друг другу в любви...


Памяти Валентина Гафта • На ночь глядя • Гости Ольга Остроумова и Валентин Гафт
(Передача впервые вышла в эфир 16 января 2008 года)



https://www.1tv.ru/-/xqkzg


Прощание с Валентином Гафтом пройдет 15 декабря в театре «Современник», где он служил с 1969 года. Артиста похоронят в тот же день на Троекуровском кладбище на Аллее Актеров.



Искренние и глубокие соболезнования Ольге – супруге Валентина Иосифовича,
его родным и близким.
Покойтесь с миром, дорогой наш человек!




Помяни, Господи Боже наш, в вере и надежди живота вечнаго преставльшагося раба Твоего Валентина, и яко Благ и Человеколюбец, отпущаяй грехи и потребляяй неправды, ослаби, остави и прости вся вольная его согрешения и невольная, избави его вечныя муки и огня геенскаго, и даруй ему причастие и наслаждение вечных Твоих благих, уготованных любящым Тя. Господи, милостив ему буди, и веру, яже в Тя вместо дел вмени, и со святыми Твоими яко Щедр упокой: несть бо человека, иже поживет и не согрешит. Но Ты Един еси кроме всякаго греха, и правда Твоя, правда во веки, и Ты еси Един Бог милостей и щедрот, и человеколюбия, и Тебе славу возсылаем Отцу и Сыну и Святому Духу, ныне и присно, и во веки веков. Аминь.











Памяти Сергея Михайловича Бархина ✧ «Неевклидова геометрия Сергея Бархина»

Сергей Михайлович Бархин – художник, архитектор, сценограф, иллюстратор, писатель, дважды лауреат Государственной премии, лауреат престижных театральных премий «Хрустальная Турандот» (4 премии) и «Золотая маска» (5 премий), премии «Триумф» и премии К. С. Станиславского, создатель кафедры сценографии в ГИТИСе, действительный член Российской академии художеств, народный художник Российской Федерации… Все это так. Но главным образом Сергей Михайлович Бархин – художник театра, сценограф-изобретатель, сценограф-новатор и теперь уже сценограф-классик – на его счету оформление более двухсот спектаклей в оперных и драматических театрах разных стран.

В фильме, снятом к 80-летию художника, Сергей Бархин рассказывает о спектаклях, над которыми работал, о сотрудничестве с такими выдающимися театральными личностями, как режиссеры Кама Гинкас, Миндаугас Карбаускис, Генриетта Яновская, дирижер Евгений Колобов. О том, что его сформировало – о родителях, о деде, первым из российских архитекторов, задумавшемся об организации сценического пространства, о предках-промышленниках и их судьбах, о своих друзьях – Белле Ахмадулиной и Борисе Мессерере, Юло Соостере и Андрее Хржановском, Тонино Гуэрре и Илье Кабакове. Рассказывает Бархин и о том, как он стал художником анимации и невольно издателем. Из фильма мы узнаем и о том, как у Бархина появилась потребность формулировать свои знаменитые "заветки", мудрости-афоризмы – из замечаний друзей и собственных наблюдений и умозаключений...


Смотрите четырехсерийный документальный фильм
«Неевклидова геометрия Сергея Бархина» (2018)









☨ Сегодня ушел из жизни Сергей Бархин — выдающийся сценограф, народный художник и архитектор

.

Сергей Михайлович Бархин скончался сегодня, 19 ноября, в Москве, в возрасте 82 лет, после тяжелой и продолжительной болезни.



( 31 марта 1938 года, Москва — 19 ноября 2020 года, Москва )


Сергей Михайлович Бархин родился в 1938 году в Москве в семье потомственных архитекторов. Окончил Московский архитектурный институт в 1962 году. Работал архитектором в мастерской Леонида Павлова, в бригаде Игоря Ядрова и Ирины Зотовой, в группе Михаила Красникова в «Моспроекте-2».

В 1967 году дебютировал как театральный художник в спектакле «Баллада о невеселом кабачке» театра «Современник». С тех пор Сергей Бархин оформил более 200 драматических, оперных и балетных постановок.

Работал в театрах Москвы, Вильнюса, Горького, Свердловска, Саратова, Куйбышева и других городов России и стран СНГ, а также за рубежом — в Германии, США, Финляндии, Швеции, Японии, Турции и Чехии.
Оформлял спектакли Олега Ефремова, Юрия Любимова, Романа Виктюка, Генриетты Яновской и Камы Гинкаса, Михаила Левитина, Валерия Фокина.

В 1988–1990 годах был главным художником Московского академического Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, в 1995–2000 годах — главным художником Большого театра.

Кроме того, Сергей Бархин был профессором Российской академии театрального искусства, основателем и в течение многих лет — руководителем факультета и кафедры сценографии РАТИ, выпустил девять иллюстрированных книг в собственном издательстве «Близнецы».


Народный художник России (1998). Лауреат многих театральных, архитектурных, государственных и национальных премий. Лауреат двух Государственных премий России. Четыре раза награждался престижной театральной премией "Хрустальная Турандот", пять раз  — премией "Золотая маска".





Выражаем искренние и глубокие соболезнования его родным и близким.
Покойтесь с миром, дорогой Сергей Михайлович!



Помяни, Господи Боже наш, в вере и надежди живота вечнаго преставльшагося раба Твоего Сергия, и яко Благ и Человеколюбец, отпущаяй грехи и потребляяй неправды, ослаби, остави и прости вся вольная его согрешения и невольная, избави его вечныя муки и огня геенскаго, и даруй ему причастие и наслаждение вечных Твоих благих, уготованных любящым Тя. Господи, милостив ему буди, и веру, яже в Тя вместо дел вмени, и со святыми Твоими яко Щедр упокой: несть бо человека, иже поживет и не согрешит. Но Ты Един еси кроме всякаго греха, и правда Твоя, правда во веки, и Ты еси Един Бог милостей и щедрот, и человеколюбия, и Тебе славу возсылаем Отцу и Сыну и Святому Духу, ныне и присно, и во веки веков. Аминь.











Памяти режиссера Ильи Ротенберга

4 ноября 2020 года после тяжелой болезни ушел из жизни режиссёр Илья Ротенберг.

Ранее, 8 сентября Илья попал в больницу во время работы над постановкой в Великолукском драматическом театре.

Илья Ротенберг родился в 1980 году в Екатеринбурге. В 2012 году окончил режиссёрский факультет ГИТИСа (экспериментальный курс Евгения Каменьковича и Дмитрия Крымова). В 2011 Илья стал главным режиссёром Лысьвенского театра драмы, где за год успел поставить ряд спектаклей, среди которых были гоголевские «Игроки». Постановка стала обладателем Гран-при Фестиваля Малых городов России и была показана в Театре Наций.

В 2012 году Илья Ротенберг стал главным режиссёром Алтайского краевого театра драмы. С 2013 года – главный режиссер Томского Театра юного зрителя. Там Илье удалось запустить проект «Театр нового зрителя» – редкий случай, когда современные методы, приёмы и новая драматургия внедряются в привычный, устоявшийся репертуар региональной театральной площадки.

С 2015 по 2017 год Илья Ротенберг был главным режиссером Екатеринбургского Театра Юного Зрителя. «Класс Бенто Бончева», «Маленькая принцесса», «Земля Эльзы», «Кентервильское привидение» – его спектакли, многие из которых до сих пор идут в репертуаре, заслуженно любимы зрителем», – отметили в театре.

Кроме того, Ротенберг поставил целый ряд спектаклей в разных городах России, в частности, в Саратове и Нижнем Новгороде, а также на основной сцене московского Театра Наций («Жанна» по пьесе Ярославы Пулинович).

Среди известных постановок Ильи Ротенберга – «Фронтовичка» в Рыбинском театре драмы, «Поздняя любовь», «Остров Рикоту», «Бесприданница» в Лысьве, «Последняя любовь», «Никио и великий самурай» в Алтайском краевом театре драмы и многие другие.

Илья – участник лабораторий «Пространство режиссуры», «Молодая режиссура и профессиональный театр», «Новое завтра».

Его спектакль «Гроза» по пьесе Островского, поставленный в Великолукском драматическом театре, по итогам прошлого сезона вошел в лонг-лист Российской национальной театральной премии «Золотая Маска»...

Все знавшие Илью Ротенберга выражают искренние глубокие соболезнования его родным и близким.

(17 февраля 1980 года – 4 ноября 2020 года)

Памяти Ильи Ротенберга
Павел Руднев
5 ноября 2020

Илья Ротенберг умер в 40 лет. Оскорбительно рано. Он был заметным режиссером российской провинции. Наверное, ему не везло на посты, он был не очень уживчивым, и, кажется, не был способен быть главрежем, худруком. Но спектакли ставил интересно, событийно. Недолго возглавлял театры в Лысьве, Барнауле, Томске, Екатеринбурге – покоя и славы как худрук он нигде не сыскал, оставаясь номадом по своей природе. Таланта было много, художественные удачи были частными, а удача житейская не всегда ходила рядом – он как-то не умел устроиться, пристроиться. Так бывает.

Парадоксально, но работал он, как правило, в поле русского психологического театра, с отличным разбором, с глубокой проработкой актерских задач.

Сперва были лаборатории Олега Лоевского – он помогал молодому выпускнику курса Каменьковича-Крымова. В моем опыте он впервые появился со спектаклем в Лысьве по “Поздней любви” Александра Островского. Наше жюри тогда предпочло дать этой работе Гран-при на конкурсе всех пермских театров, что вызвало некоторый тремор у основных театров края: совсем молодой постановщик, еще вчера окончивший ГИТИС, состоялся в маленьком провинциальном театре, где позже не закрепился. Это было дерзко с нашей стороны, но для нас это было важно и, как мне кажется до сих пор, справедливо – важно поддерживать молодежь, дебюты. В этой “Поздней любви” была старомодная романтика, тихое, сдержанное звучание классики, неброские, даже намеренно тусклые краски. Не осовременивая Островского, режиссер находил нерв в фигуре Шаблова: прекрасный артист Игорь Безматерных играл горемычного пьяницу, чей сплин не имел внятного объяснимого мотива. Шаблов был русским парнем, который вот ни с того ни с сего грустит и мучается – просто потому, что жизнь никогда не соответствует идеалу, а без идеала-то жить некуда. Тем более, когда вокруг шастают хищники, вроде роскошной, холеной Варвары в исполнении Натальи Мироновой. Маргаритов (Александр Миронов), уже однажды столкнувшись с человеческой подлостью, только подтверждал всем известный закон, что тебя всегда тут, на этой земле, обманут и подведут под монастырь. В “Поздней любви” было этакое благородное нищенство, достоинство дауншифтинга: лучше в омут с головой, чем гарцевать на коне на этом невеселом свете.

В период Томского ТЮЗа был яркий спектакль “Как я стал” по пьесе Ярославы Пулинович – о предательстве в любви. Он доехал до Москвы, участвовал в одной из первых “АртМиграций”.

Единственная московская работа – “Жанна” Ярославы Пулинович в Театре Наций с Ингеборгой Дапкунайте – была не всеми критиками встречена как удача. Мне же спектакль казался интересным. Он был зрительским, и этим силен. Сдержанная, субтильная, с какой-то артистичной худобой, Дапкунайте менялась на глазах, проигрывая сложную партитуру роли. Сперва ее Жанна была мила до приторности, она боялась спугнуть свое сексуальное счастье с молодым человеком. Затем резко превращается в мстительницу. Затем обвисала, старела на глазах, уходили вглубь плечи, смывался гламур и лоск. Затем на короткий период – расправлялась от перспективы перейти на амплуа бабушки, и финальная фаза – медленно раскручивается маховик хищничества. Инициатива коммерсанта включается на автомате, и дело о краже ребенка заваривается на затемнении, когда вместо милой запутавшейся женщины – жуткое опасное чудовище, копящее яд. Главная героиня – посеревший от предчувствия удачи гоблин-уродец, обозленная птица. У Ярославы Пулинович – пьеса о 1990-х, которые отняли у людей личные судьбы, кинув народ в пучину безудержной капитализации и отняв человечность. Темперамент рвача, воспитанный 1990-ми, не оставляет Жанну, и любое новое дело, пусть касающееся самой тонкой материи, все равно превращается в торг, в сделку. Дапкунайте угадала этот типаж.

Одной из последних ярких работ Ильи Ротенберга была “Васса” в Нижегородском ТЮЗе – на местном фестивале наше жюри отметило ее как лучшую режиссерскую работу. Сценограф Наталья Симакова создавала для пьесы Горького заднюю стенку, где располагались четыре двери. Невротичность Вассы, а также постоянное видеонаблюдение за героями создавали атмосферу дома, который живет ощущением слежки, возможной опасности за каждой из дверей. Попойка, устроенная обитателями дома после ухода Вассы, – это не столько развращение, сколько праздник непослушания: мама ушла из дома, можно наконец-то делать что угодно, распоясаться в кои веки. Ирина Страхова играла Вассу одновременно и как жертву, и как носителя вины в себе: жесткая, без эмпатии, обескровленная, она быстро прозревала судьбу свою и своего класса. Видеооператоры синтезировали диалог людей, которые не могут смотреть друг на друга, склеивают их словесное общение. Игрался второй вариант, и существенной работой оказывалась и роль Рашели (Дарья Андреева). И, честно говоря, впервые в истории современных постановок, слова социалистки звучали остро и артикулированно. Русский театр здесь дорос до обостренной критики капитализма и откровенно, уверенно и броско говорил о классовой борьбе как о ключевой проблеме уже не 1910-х, а 2010-х. В этой работе нравственная победа Рашели над захудалым родом буржуазии, где детки бессмысленно грабят богатство, была ясна. Горьковскую позицию до этого в постсоветский период только высмеивали, а здесь она прозвучала как откровение: расслоение общества, неизбежность расплаты.

Артисты Нижегородского ТЮЗа, да и сам Илья в голос жаловались на предыдущего директора, что этот прекрасный спектакль оказывался в тени, не продвигался на фестивали, редко игрался и был не признан самим театром. Кажется, “Васса” действительно так и осталась внутри Нижнего Новгорода, не приобрела федеральную славу. А ведь могла бы, это был спектакль самого высокого ранга.

Последний раз я видел Илью в июне 2019-го, в Ачинске Красноярского края на нашей традиционной лаборатории. Он был уже болен, неважно выглядел и откровенно говорил об этом: был здоровым – и вот, жизнь подкосила. Он говорил, что у него глаз тухнет, нет сил бороться, нет денег. Очень откровенно и просто, буднично. Выглядел как человек, который принял свою судьбу. Он тогда собирался лечь на операцию.

В Ачинске он поставил очень приличный эскиз, вспомнив хит 1990х – пьесу Олега Богаева “Русская народная почта”. В августе спектакль был доделан. Прекрасный ачинский артист Сергей Сумин играл оскорбленного жизнью старика, вокруг которого роятся фантомы исторических фигур. Пенсионер живет в захламленной квартире, которая является музеем его эпохи, хранилищем исторического мусора, задавливающего живую романтическую душу несчастного старика. “Повысьте мне пенсию до уровня жизни” – никому не слышный вопль ветерана в одинокой квартире из 1990х возвращался как сильный для 2010х аргумент...


Счет для поддержки семьи Ильи Ротенберга в тяжелый час: Сбербанк 2202 2003 8096 5325 Лидия Юрьевна Б.






Журнал «Театр»: http://oteatre.info/pamyati-ili-rotenberga/?fbclid=IwAR1GxR-xkrHyOwI4WJNcs82qqnizJG-RiHB93qYq9HrP2hkymEXPmj4KGl0
Фото с сайта Великолукского драматического театра




Меж двух кулис ❐ Дмитрий Крымов ❏ Юрий Бутусов ❐ Виктор Рыжаков ❏

❐  Дмитрий Крымов  •  Своими словами  ❏

Героем фильма стал режиссер Дмитрий Крымов, создавший свой неповторимый театр художников. Фильм строится на монологах героя о сокровенном, о высоком и повседневном, что осмыслилось к "золотой середине" жизни. Зритель становится свидетелем процесса создания нового спектакля "Борис" по пьесе А.С. Пушкина "Борис Годунов".

Структура фильма выстраивается с учетом главной "пружины" творческой жизни героя – принципа "коллективного сознания" в реализации замысла, т.е. на непосредственной работе его творческой "лаборатории" и со студентами. Сегодня, расставшись с театром "Школа Драматического Искусства" и не имея постоянной сценической площадки, именно в контакте и сотрудничестве со студентами режиссёр находит чувство равновесия.

В фильме, кроме процесса создания спектакля "Борис", зритель увидит фрагменты репетиций спектаклей прошлых лет, которые никогда ранее не были опубликованы. Это "Опус №7", "Квадратный корень из Трех сестер" и "Тарарабумбия".

https://youtu.be/_EO0j3lpNzc


❐  Юрий Бутусов  •  В поисках радости  ❏

Юрий Бутусов – один из лидеров российской театральной режиссуры. За два с лишним десятилетия он создал свой уникальный театр, неповторимый язык сценического пространства, собственные "правила игры" во взаимоотношениях с драматургией, актерами и зрительным залом. Но, пожалуй, есть еще одно присущее ему качество в профессии – романтическое отношение к образу театра, как к образу жизни...

У каждого режиссера есть своя тема, свое внутреннее движение, в котором он пытается разобраться и его же сценически передать. И у Бутусова она есть – запечатленный в памяти утраченный рай, куда нельзя вернуться, но воспоминание о котором не дает человеку окончательно потеряться в темноте. Что же для Юрия Бутусова является "утраченным раем" – об этом и многом другом зритель узнаёт из монологов самого режиссера.

В фильме показан рабочий процесс и сама театральная жизнь, куда посторонним вход воспрещен, но где и идут "ожесточенные личные битвы" над вечным вопросом – из чего делается творческий труд, как он возникает, оживает, угасает? Зритель станет свидетелем репетиций спектаклей Юрия Бутусова, поставленных на разных сценах Москвы и Петербурга. Это "Чайка" театра "Сатирикон", "Пер Гюнт" театра им. Евг. Вахтангова, "Гамлет" театра им. Ленсовета.


https://youtu.be/614W5tRI4Fg


❐  Виктор Рыжаков  •  В поисках идеального слова 

Главный герой фильма – театральный режиссер, апологет "театра текста" Виктор Рыжаков. На сегодняшний день его имя – в списке лидеров отечественной театральной режиссуры, тех, кто диктует современные театральные тенденции и формирует общественные идеалы.

В центре внимания авторов фильма – профессиональное пространство Виктора Рыжакова, собственно режиссерская кухня, репетиция, рабочий процесс, где замысел той или иной постановки обретает очертания, форму, фактуру и смысл.

В его режиссуре есть одно ключевое имя – Иван Вырыпаев, и одно ключевое понятие – драматургия. Именно слово является его главным режиссерским инструментом в создании коммуникации с залом. В этом поиске нового звучания он и ищет свое "идеальное слово" и "идеального автора". В фильме показана его увлекательная многоэтапная лаборатория – по выбору, познанию и погружению в авторский текст, репетиции спектаклей – в Москве и Питере, среди которых: "Иллюзия", "Пьяные" в МХТ им. Чехова, "Иранская конференция" в Театре Наций, "Оптимистическая трагедия. Прощальный бал" в Александринском Театре.


https://youtu.be/ivql_3_kn20






❐    •    •    •   ❏